PAVILION LAUTANIA VIRTUAL VALLEY

[Giovanni Bonanno]

 

 

 

SPAZIO OPHEN VIRTUAL ART GALLERY

 

1887 - Kurt Schwitters &  Marcel Duchamp “UNIVERSI  POSSIBILI / Verso La Globalità Intelligente”  a cura di  Giovanni Bonanno. 

Dal 6 maggio 2017 al 26 novembre 2017– Due proposte  internazionali presentate in contemporanea con la 57th Biennale Internazionale d’Arte di Venezia  2017 

 

 

KURT SCHWITTERS / 1887- Kurt Merz/Ecology

 1887 - Kurt Schwitters &  Marcel Duchamp “UNIVERSI  POSSIBILI / Verso La Globalità Intelligente”  a cura di  Giovanni Bonanno. 

  

Dal 6 maggio 2017 al 26 novembre 2017– Due proposte  internazionali presentate in contemporanea con la 57th Biennale Internazionale d’Arte di Venezia  2017 

 

 

  

 

LAUTANIA  VIRTUAL  VALLEY

“UNIVERSI  POSSIBILI / Verso La Globalità Intelligente” 

Kurt Schwitters “1887 - KURT MERZ / ECOLOGY”

 Testo critico di Giovanni Bonanno

 

 

 

 KURT SCHWITTERS / 1887- Kurt Merz/Ecology

 

PAVILION LAUTANIA VIRTUAL VALLEY

"UNIVERSI POSSIBLE / Towards Intelligent Globality"

Kurt Schwitters "1887 - KURT MERZ / ECOLOGY"

Critical text of Giovanni Bonanno

 

Space Ophen Virtual Art Gallery, on the occasion of the 57th Venice Biennale in 2017 intends to devote attention as an independent and contemporary event at the "Pavilion Lautania Virtual Valley", two Dadaist artists like Kurt Schwitters and Marcel Duchamp born in 1887, which beautifully summarize the survey concept understood as the privileged place to detect the dreams and utopias that in the metaphysical and mental dimension suggest worlds and collective imaginations. An invention across the board played on "possible universes" between freedom of creation and intelligent totality of making art. The Ophen space after devoting attention in 2015, at the previous Biennale di Venezia, two Japanese artists such as Shozo Shimamoto and Ryosuke Cohen, "inside and outside the body," (The World's Futures / Inside and outside the body), now it intends to investigate the work of the two artists among the Dadaists and global "Open and Closed / Closed and Open" with two respective exhibitions devoted to them to deepen what underlies the creative process. The artist's home studio, the creative dimension, time and space defines an extension to the other in the need to metabolize and transform reality.

For this first international collective dedicated to Schwitters, at the commemoration of the 130 years since the birth (Hanover, June 20, 1887 - Kendal, January 8, 1948), has been sent to several contemporary artists of the postcard with the photo of the first Merzbau for speak to the Hannover 1923 - 1943, the assembly in the artist's home, destroyed in 1943, asking them, in respect of the total art thinking Schwitters, an "add" operation great for sharing, an operation to "continue "consciously and consistently the work of Schwitters, that being a" work in progress "is not intended in any way to a possible and definitive completion. Moreover, the three Merzbau, have had the sad fate of being either been destroyed (such as the one in Hanover) or to remain unfinished because of the German artist's sudden death. This international group there are 66 works by as many important artists who wanted to share this proposal as border artists on the sidelines of a possible border and divide the official art system.

 

What Merzbau?

Kurt Schwitters, isolated and solitary protagonist of the German Dadaism, following a brief expressionist and cubist, he soon decided to abandon traditional ways of painting for preferring the use of poor materials in the form of collage with recovered objects of all kinds. One of his first collages carries the title of Merzbild (1919), from the fragment of the word (Com)merz that appears. The work Das Merzbild of 1919, is already an assemblage with a composition of various materials: wires and metal mesh with ropes, paper and cardboard of various type. In the central part of the work it is present in clearly marked "Merz", derived from an ad of Kommerz - und Privatebank. This work has been lost after being exposed in a derogatory manner in Nazi art exhibition and considered degenerate. The word Merz, like that of "Dada", created by chance with no meaning, will be given to all personnel becoming the sum of all subsequent German artist activities. Undoubtedly his most famous creation is an installation called Merzbau, built with found materials, called by the same artist "cathedral of erotic misery", he existed in Hanover between 1923 and 1944 before being destroyed by the bombing. Within this environment construction, the artist added slowly developing fragments of recycled things found. The work, intended as a work in progress deliberately provisional, never ended. After 1945 he settled in Ambleside and, thanks to funding from the Museum of Modern Art in New York, he could devote himself to the realization of the third Merzbau, left, after the second also unfinished due to the artist's premature death in Britain in 1948.

 

Ecology and total art

All of his work revolves on the concept of "total art and ecology" understood as salvaging objects put back into the environment. Hans Richter Schwitters writes: "everything that had been thrown away, everything he loved with honor is restored to life by means of his art." We consider "waste" the matter is out of its normal function and may be resumed, re-used as a source of new life, restored to a new purpose, a new creation. According Schwitters, "matter can be transformed but never removed." Everything is denial, so things must necessarily be built using the fragments of things found, not surprisingly, we can speak of "ecological thinking" .This idea will be applied at various levels and at every aspect of his work, collage, graphic, from poetry to music. The work of art is with him the vision essentially environmentally conscious art and the world, with the urgent need to recover used materials that others consider waste. At the base of this unusual poetic nothing it is discarded but recycled and put to new use. The work, therefore, as a reuse of found objects becomes the foundation of the entire activity of the German artist. To use the terminology of folk and peasant culture - in our opinion - "Schwitters uses every part of the pig" because the pig uses everything and nothing is to be thrown away, not even the bones. In the Merzbau of Hanover, the artist has entered the same ideas are the backbone of the entire production of her collages, except that unlike paper collage, he could live within the space in a sort of "three-dimensional collage" which contained neighborhoods, caves and hidden corners of memories and memory. In Merzbau of 1923, as for the area of ​​a city, the artist will distinguish different neighborhoods and villages with a "cathedral of erotic misery", sexual murder quarry "in which there was a kind of fractured female body painting red, a "great love cave" and "a cave of Goethe." Practically an unusual environmental maze, with a structure built in time to recover obscure obsessions and autobiographical memories.

It remains the complete works understood as a gloomy area of the mind, therefore, is growing dramatically as a big city and the cavities, valleys, caves must necessarily have a life, its own structure and an independent character; a cavity housing the glittering treasure of the Nibelungs, while the sex-crime cave has a horrible mutilated corpse of an unfortunate girl. The Schwitters himself describes the construction of the first Merzbau: “It grows the way a big city does…I run across something or other that looks to me as though it would be right for the KdeE, so I pick it up, take it home, and attach it and paint it, always keeping in mind the rhythm of the whole…As the structure grows bigger and bigger, valleys, hollows, caves appear, and these lead a life of their own within the over-all structure…Each of the caves or grottoes takes its character from some principle component. One holds the glittering treasure of the Nibelungs…and the Goethe grotto has one of his legs and a lot of pencils worn down to stubs…the sex-crime cave has one abominable mutilated corpse of an unfortunate girl…an exhibition of paintings and sculptures by Michelangelo and myself being viewed by one dog on a leash…a 10% disabled war veteran with his daughter, who has no head but is still well preserved…”(Schmalenbach, 132-33).

Each of the caves, then, takes its character from some parent; integrated within the structure were the twin shrines dedicated to many Dadaists friends and authors, with objects and fragments of his own body (a small bottle of urine, fingernail, broken switches, buttons, tram tickets, colored cheese labels Camembert, a cigarette butt, glasses upside down and even a lock of hair), used in the development and installation environmentally progressive growth. With this work we can no longer speak simply of sculpture, or total furniture in the style of the Bauhaus environments or those Futurist. By now, the work must expand beyond the extending part in the whole space of the room that houses it. Initially the artist Hanover began to occupy the space of his study with a first central column, then adding the other two also constructed with a secular religiosity extensively and randomly. In about twenty years of work, this particular "environment" became a kind of autobiographical self-portrait mirror and of the thoughts and social contacts with others. An intimate diary made of images, objects and space with an ongoing construction being finalized. Place concrete and livable, therefore, in which the artist deposited thoughts and their most prized possessions, the testimony truer it needed to fill the void and the distance between everyday life and art. The three-dimensional structure grew in an apparently chaotic and messy charge of particular symbolic and affective references becoming, in fact, "the ecological and global work of a lifetime", is intended to symbolically represent a holistic system, ie, a particular total conception. Certainly, in Merzbau you are content and accumulated a wide and varied range of allusions and cultural archetypes thickened in space to define a cyclical and temporal proceeding that emulates and imitates the progression of chronological life in his doing and undoing, with past submerged moments and hidden from the most recent, as in a natural geological or biological growth. The use of sophisticated holistic symbolic function by Schwitters makes Merzbau an appropriate opportunity to reflect "ecological" sense of a particular worldview and the entire ecosystem of human thought.    

      Giovanni Bonanno  April 13, 2017.

 

(Italiano).

Lo Spazio Ophen Virtual Art Gallery, in occasione della 57° Biennale di Venezia 2017 intende dedicare l’attenzione come evento indipendente e contemporaneo presso il “Pavilion  Lautania  Virtual  Valley”,   a due artisti dadaisti come Kurt Schwitters  e Marcel Duchamp nati nel 1887, che sintetizzano magnificamente il concetto  d’indagine inteso come il luogo privilegiato per rilevare i sogni e le utopie che nella dimensione metafisica e mentale suggeriscono  mondi e immaginari collettivi.  Una invenzione a tutto campo giocata su  “universi possibili” tra la libertà della creazione e la globalità intelligente del fare arte. Lo Spazio Ophen dopo aver dedicato l’attenzione nel 2015, in occasione della precedente Biennale di Venezia a due artisti giapponesi come Shozo Shimamoto e Ryosuke Cohen,  “dentro e fuori il corpo”, (The World's  Futures / Inside and outside the body), intende ora indagare il lavoro dei  due artisti  dadaisti e globali  tra “Aperto e Chiuso / Closed and Open” con due  rispettive mostre a loro dedicate volte ad approfondire ciò che sottende il processo creativo. Lo studio abitazione dell’artista, nella dimensione creativa, temporale e spaziale definisce l’estensione verso l’altro nella  necessità di metabolizzare e trasformare la  realtà.

Per questa prima mostra collettiva internazionale dedicata a Schwitters, in occasione della ricorrenza dei 130 anni dalla nascita  (Hannover, 20 giugno 1887 – Kendal, 8 gennaio 1948),  sono state inviate a diversi artisti contemporanei  delle postcard con la foto del primo Merzbau, per intenderci quello di Hannover del 1923 - 1943, l’assemblaggio nella casa dell’artista, distrutto nel 1943, chiedendo a loro, nel rispetto del pensiero di arte totale di Schwitters,  un intervento “aggiuntivo” di  ideale condivisione, un  intervento per  “continuare” coscientemente e coerentemente l’opera di Schwitters,  che essendo “un work in progress”  non è destinato in alcun modo ad un possibile e definitivo completamento dell’opera. Del resto, i tre Merzbau, hanno avuto il triste destino di essere stati o distrutti (come per esempio quello di Hannover) oppure di  rimanere  non completati a causa della morte improvvisa dell’artista tedesco. In questa collettiva internazionale sono presenti 66 opere di altrettanti importanti artisti  che hanno voluto  condividere  tale proposta come artisti di frontiera  a margine  di un  possibile confine e spartiacque al  sistema ufficiale  dell’arte. 

 

Cos’è Merzbau? 

Kurt Schwitters, protagonista solitario e isolato del dadaismo tedesco, dopo una breve fase espressionista e cubista, decise ben presto di abbandonare  i modi tradizionali  di fare pittura per preferire l’utilizzo di materiali poveri  sotto forma di collage con oggetti recuperati di ogni tipo. Uno dei suoi  primi collages porta il titolo di Merzbild (1919), dal frammento della parola (Com)merz che vi compare.  L’opera Das Merzbild del 1919, risulta già un assemblage con una composizione di vari materiali: fili e maglia metallica con corde, carta e cartone di vario tipo. Nella parte centrale dell’opera è presente in modo evidente la scritta “Merz”, ricavata da un’inserzione della Kommerz - und Privatebank. Quest’opera è andata dispersa dopo essere stata esposta in modo dispregiativo nella mostra nazista dell’arte e considerata degenerata. La parola Merz, come quella di “Dada”,  nata casualmente senza alcun significato, verrà attribuita a tutto diventando la cifra personale di tutta l'attività successiva dell’artista tedesco. Senza alcun dubbio la sua creazione più nota è un'installazione intitolata il Merzbau, costruita, con materiali trovati, detta dallo stesso artista  “Cattedrale della miseria erotica”, esistita ad Hannover tra il 1923 e il 1944 prima di essere distrutta dai bombardamenti. All'interno di questa costruzione ambientale, l'artista  aggiungeva  sviluppando lentamente frammenti di cose di recupero trovate. L'opera, intesa come un work in progress volutamente provvisorio, non si concluse mai. Dopo il 1945 si stabilì ad Ambleside e, grazie a un finanziamento del Museum of Modern Art di New York, poté dedicarsi alla realizzazione del terzo Merzbau, rimasto, dopo il secondo anch’esso incompiuto  a causa della prematura morte dell’artista in Gran Bretagna nel 1948.

 

Ecologia e arte totale

Tutto il suo lavoro ruota sul concetto  di “ecologia e arte totale” inteso come recupero di oggetti  rimessi nell’ambiente. Hans Richter scrive di Schwitters: “tutto ciò che era stato gettato via, tutto ciò che amava è ripristinato  con onore nella vita per mezzo della sua arte”. Noi consideriamo “rifiuto” la materia che ha esaurito la sua normale funzione mentre potrebbe essere  ripresa, riutilizzata come fonte di una nuova vita, ristrutturata per un nuovo scopo, per una nuova creazione. Secondo Schwitters, “la materia può essere trasformata, ma mai rimossa”. Tutto è rifiuto, per cui le cose devono essere costruite necessariamente utilizzando i frammenti delle cose trovate, non a caso possiamo parlare di “pensiero ecologico”.Questa idea  verrà applicata a vari livelli e ad ogni aspetto del suo lavoro, dal collage alla grafica, dal testo poetico alla musica. L’opera d'arte rappresenta con lui  la visione essenzialmente ecologica e cosciente dell’arte e del mondo, con l’urgente bisogno verso il recupero dei materiali usati che gli altri considerano rifiuti. Alla base di questa insolita poetica nulla viene scartato ma riutilizzato e rimesso a nuovo uso.  L’opera, quindi, intesa come riuso di oggetti di rifiuto trovati diventa il fondamento di tutta l’attività dell’artista tedesco. Per usare la terminologia della cultura popolare e contadina – secondo noi – “Schwitters usa ogni parte del maiale”, perché del maiale si adopera  tutto e non si deve buttare nulla, neanche le ossa. Nel Merzbau di Hannover, l’artista  ha immesso le stesse idee sulle quali si fonda  tutta la produzione dei suoi collage, solo che diversamente dai collage di carta, lui stesso poteva vivere all'interno dello spazio, in una sorta di “collage tridimensionale” che conteneva i quartieri, le grotte e gli angoli nascosti dei ricordi e della memoria. Nel Merzbau del 1923, come per il territorio di una città, l’artista vi distingueva diversi quartieri e frazioni con una “cattedrale della miseria erotica”,  la cava dell’omicidio sessuale” in cui era presente una sorta di corpo femminile fratturato dipinto in rosso, una “grande grotta dell’amore” e  “una grotta di Goethe”. Praticamente un insolito labirinto ambientale, con una struttura costruita nel tempo a recuperare ossessioni oscure e  memorie autobiografiche.

Rimane l’opera omnia intesa come zona cupa della mente, di conseguenza, cresce a dismisura come una  grande città e le cavità, le valli, le grotte devono avere necessariamente una vita, una struttura propria e un carattere autonomo; una cavità ospita il tesoro scintillante dei Nibelunghi, mentre la grotta sex-crimine ha un orrendo cadavere mutilato di una ragazza sfortunata.  Lo stesso Schwitters descrive la costruzione del primo Merzbau: “It grows the way a big city does…I run across something or other that looks to me as though it would be right for the KdeE, so I pick it up, take it home, and attach it and paint it, always keeping in mind the rhythm of the whole…As the structure grows bigger and bigger, valleys, hollows, caves appear, and these lead a life of their own within the over-all structure…Each of the caves or grottoes takes its character from some principle component. One holds the glittering treasure of the Nibelungs…and the Goethe grotto has one of his legs and a lot of pencils worn down to stubs…the sex-crime cave has one abominable mutilated corpse of an unfortunate girl…an exhibition of paintings and sculptures by Michelangelo and myself being viewed by one dog on a leash…a 10% disabled war veteran with his daughter, who has no head but is still well preserved…”(Schmalenbach, 132-33).

Ognuna delle grotte, quindi,  prende il suo carattere da qualche elemento principale; integrati all'interno della struttura vi erano i singoli santuari  dedicati a molti amici e autori dadaisti, con oggetti e frammenti del proprio corpo (una piccola bottiglia di urina, un’unghia,  interruttori rotti, bottoni, biglietti del tram, etichette colorate di formaggio Camembert, un mozzicone di sigaretta, bicchieri capovolti e persino una ciocca di capelli), utilizzati allo sviluppo e alla crescita progressiva dell’installazione ambientale. Con quest’opera non possiamo più parlare semplicemente di scultura, oppure di arredamento totale alla maniera delle ambientazioni del Bauhaus o di quelle futuriste. Ormai, l’opera  deve dilatarsi  oltre il quadro estendendosi in tutto lo spazio della stanza che lo ospita. Inizialmente l’artista di Hannover incominciò a occupare lo spazio del suo studio con una prima colonna centrale, aggiungendo poi anche le altre due costruite con una religiosità laica in maniera estensiva e casuale. In circa vent’anni di lavoro, questo particolare “environment” divenne una sorta di autoritratto autobiografico e speculare dei sui pensieri e dei  contatti sociali con gli altri. Un diario intimo fatto di immagini, di oggetti e di spazio con una costruzione  in corso  in fase di definizione. Luogo concreto e vivibile, dunque,  in cui l’artista depositava i pensieri e i propri oggetti più cari, le testimonianze più vere che  gli consentissero di colmare il vuoto e la distanza tra la vita di ogni giorno e l’arte. La struttura tridimensionale crebbe in maniera apparentemente disordinata e caotica  carica di particolari richiami  simbolici e affettivi divenendo, di fatto, “l’opera ecologica e globale di una intera vita” destinata a rappresentare simbolicamente un sistema olistico, ovvero, una  particolare concezione totale.  Di certo, nel  Merzbau vi sono contenuti e accumulati  una  vasta e svariata gamma di  allusioni e di archetipi culturali addensati nello spazio a definire un procedere ciclico e temporale che emula e imita il procedere della vita cronologica nel suo farsi e disfarsi, con momenti passati sommersi e nascosti da quelli più recenti, come accade in una naturale crescita geologica o biologica. L’uso della ricercata funzione simbolica olistica da parte di Schwitters rende il Merzbau una occasione appropriata  per riflettere “in senso ecologico” su una particolare visione del mondo e sull’intero ecosistema del pensiero umano.          Giovanni  Bonanno  13 aprile 2017.

 

 

 

Biografia

Kurt Schwitters  ‹švìtërs›,  - Pittore (Hannover 1887 - Ambleside 1948). Studiò all'accademia di Dresda (1909-14) e, dopo una fase espressionista e cubista, nel 1918 creò le sue prime opere astratte. Per la sua personalità e il carattere estroso, Schwitters. viene spesso accomunato al movimento dada, del quale tuttavia non fece mai parte effettiva, nonostante l'amicizia che lo legò prima a T. Tzara e H. Arp, poi a R. Hausmann e Hanna Höch, esponenti del dada berlinese. Ben presto abbando’ i tradizionali materiali pittorici, immettendo sulla tela, con la tecnica del collage, gli oggetti di scarto più disparati, da biglietti del tram a frammenti di giornali, stoffe, spugne, tappi, bottoni. Uno dei suoi collages porta il titolo di Das Merzbild (1919), dal frammento della parola (Com)merz che vi compare. Una composizione equilibrata con vari materiali: fili metallici, corde, maglia metallica, carta e cartone di vario genere, in cui in posizione pressappoco centrale compare la scritta “Merz”, ricavata da un’inserzione della Kommerz- und Privatebank. Il quadro è andato disperso dopo essere stato esposto in modo dispregiativo nella mostra nazista dell’arte degenerata.  

Nato casualmente, questo termine Merz accompagnò e caratterizzo’ tutta l'attività successiva di Schwitters. Pertanto, egli chiamò Merzplastiken i suoi rilievi, Merzdichtungen le composizioni in prosa o in poesia, formate da frammenti di frasi, parole, modi di dire, come An Anna Blume (pubblicato su Der Sturm) e ancora Die Blume Anna e Memoiren Anna Blumes in Bleie. Nel 1921 fece un ciclo di conferenze a Praga con Hausmann e H. Höch e sulla sua scia compose una Ursonaate, basata sullo stesso principio di sfruttamento della sonorità della voce umana. Nel 1922-23 fu in Olanda con T. van Doesburg. Nel gennaio 1923 uscì il primo numero della rivista Merz e nello stesso anno iniziò il primo Merzbau (distrutto da un bombardamento nel 1943), una costruzione che attraversava i varî piani della sua casa di Hannover, fatta di oggetti eterogenei, aggiunti di giorno in giorno. Sempre in contatto con i movimenti di avanguardia, Schwittars. fece parte dei gruppi "Cercle et Carré" e "Abstraction-Création". Nel 1937 lasciò la Germania per stabilirsi in Norvegia, dove a Lyvaker iniziò un secondo Merzbau, anche questo distrutto. Nel 1940, invasa la Norvegia dai nazisti, l’artista si rifugiò in Inghilterra e fino al 1945 rimase internato in un campo di prigionia. Dopo il 1945 si stabilì ad Ambleside e, grazie a un finanziamento del Museum of Modern art di New York, poté dedicarsi alla realizzazione del terzo Merzbau, tuttavia, rimase incompiuto nel 1948 per  l’improvvisa morte.